Queen of Blood (1966) de Curtis Harrington

En l'an de grâce 1990, les hommes voyagent sans trop de problème dans l'espace (mwouhaha). C'est alors que des extraterrestres entrent en contact, via radio transmission, avec la Terre. Le message est clair : ils arrivent. Mais alors que ces derniers sont en route pour enfin rendre visite aux humains, leur vaisseau se crashe sur Mars. Aussitôt sur Terre on s'organise pour leur porter secours. L'équipe de sauvetage, une fois sur place, ne découvre qu'une seule survivante : une alien ( certes à l'apparence humaine) mais à la peau verte. Et ils vont s'empresser de l'embarquer à bord de leur vaisseau...

Bien que non crédité au générique, le producteur et roi du bis Roger Corman participe activement au projet Queen of Blood. C'est lui qui engage Curtis Harrington comme réalisateur, après avoir été impressionné par le travail de ce dernier sur le magnifique Night Tide. N'arrivant pas à financer des projets plus personnels, Harrington accepte la proposition de Corman qui consiste à tourner ( quasiment en même temps!) deux films ayant pour tête d'affiche la star anglaise Basil Rathbone : Queen of blood et Voyage to the prehistoric planet.

 

Avec un budget riquiqui ( à la Corman quoi) mais un grand sens de la débrouille, Harrington va réutiliser les scènes « à effets spéciaux » ( des scènes de navigation spatiale quoi) de deux films de SF russes. Pour le reste, des décors minimalistes feront bien l'affaire.

Décors en carton pâte, accessoires en plastoc, FX cheapos, maquettes en guise de vaisseaux, Queen of Blood est l'archétype même du film de SF pop ( fans hardcore de hard sf, fuyez!) ambiance 60's. Et ça a un indéniable charme. Surtout que la musique est au diapason (ho ho) avec des passages au thérémine ! Et cette affiche, mon dieu, cette affiche ! Corman savait vendre du rêve !

 

Il faut également souligner que Queen of Blood bénéficie d'un casting qui a de la gueule. En tête d'affiche, nous retrouvons donc Basil Rathbone ( pour les plus jeunes, signalons que Rathbone était une grande star du cinéma britannique dans les années 30 et 40) c'est à dire Mister Sherlock Holmes ( qu'il incarna 14 fois à l'écran!). Pas mal du tout, même si la carrière de Basil Rathbone était en phase descendante en 1966 ( d'ailleurs il est décédé un an après.). Nul doute que Corman a dû finement négocier le cachet de la star en déclin. En tout cas l'acteur anglais semble ici un minimum prendre son rôle au sérieux ( même si apparemment il lui arrivait d'oublier son texte!). Il incarne parfaitement un scientifique enthousiaste, chef de mission qui va de l'avant. De manière général, tous les acteurs ont l'air d'y croire. Le ton du film est très premier degré. Et c'est magnifique !

Outre Basil Rathbone, nous retrouvons John Saxon, dans le rôle du héros astronaute américain, beau et intrépide. Un sacré baroudeur qui tourna des films par palettes. Citons par exemple Opération Dragon ( avec Bruce Lee), Black Christmas ( de Bob Clark) et bien entendu Nightmare on Elm Street où il joue le rôle du père de Nancy. Bref, cet homme là a tout fait dans le domaine de la série B et de la série TV : du cinéma bis italien, de l'horreur, des films de kung-fu etc..etc...Une légende quoi !

 

Un autre acteur perçait petit à petit à cette époque : Dennis Hopper. Dans un registre plus rêveur, plus fragile, que celui de John Saxon. L'acteur s'était justement illustré dans Night Tide, et Curtis Harrington a visiblement eu envie de retravailler avec lui. Pour finir, n'oublions pas de citer l'actrice Florence Marly ( qui incarne la reine Alien, et qui, comme son nom ne l'indique pas du tout est d'origine tchèque). Corman la trouvait trop vieille et voulait donc une actrice plus jeune ( une bimbo quoi!) mais Curtis Harrington a insisté pour qu'elle aie le rôle. Et il a eu mille fois raison. Avec l'aide d'un maquillage tout simple, Marly réussit vraiment à être troublante. Son regard, son expression, sa gestuelle, laissent vraiment transparaître le sentiment de convoitise gourmande qu'elle éprouve à la vue des humains. On comprend tout de suite sa dangerosité tout en ne niant pas le pouvoir de fascination du personnage.

  

La patte Corman est aussi évidente en terme de rythme et de durée du film. Ça va droit au but, ça va vite. On est pas là pour jouer les contemplatifs ! Le film, conscient de ses limites, a la sagesse de ne pas trop durer ( 1h18, mes aïeux!). Usant de bonnes grosses ellipses pour masquer ses limites budgétaires, Queen of Blood se révèle un bon petit film de horreur/sf bourré de charme et divertissant. D'ailleurs ce côté horreur/sf fera dire à Curtis Harrington que Ridley Scott se serait bien inspiré de Queen of Blood pour réaliser Alien. D'un autre côté, on peut dire que le personnage que joue Florence Marly, avec son côté vampire végétal et son mode de reproduction, est peut être inspiré de L'Invasion des Profanateurs de Sépultures. J'y ai vu un lien. Mais c'est moi, hein ! En tout cas Curtis Harrington fait partie de ces réalisateurs dont on ne parle pas forcément beaucoup mais qui franchement avait un style, un univers, très intéressants. Parmi ses films, outre Queen of Blood bien sûr, il faut voir Night Tide, Games ( avec Simone Signoret!) et Killing Kind notamment. Bref, un drôle de cas de réalisateur. Mais un bon ! 

 

Long Weekend ( 1978) de Colin Eggleston

Un jeune couple de citadins australiens décident de partir en week-end dans un coin perdu au bord de la mer. Leur relation est au plus mal et ils espèrent que cette escapade de camping sauvage et de communion avec la nature va remettre leur couple sur de bons rails. Hélas, sur le lieu où ils décident de s'installer, les choses prennent une drôle de tournure pour eux. La nature n'est pas très accueillante...

Ça n'a l'air de rien comme ça mais une bonne petite intro musicale contribue beaucoup à mettre le spectateur dans de bonnes dispositions, vis à vis d'un film qu'il est sur le point de découvrir. Félicitations donc au compositeur de Long Weekend, un certain Michael Carlos, qui nous gratifie, dès le générique, d'un très joli thème musical. Et pendant ce même générique, le spectateur attentif apprend avec grand plaisir que le scénariste du film n'est autre que Everett de Roche. À partir de là, on est déjà diablement rassuré et partant. C'est que le bonhomme en question a écrit les scénarios de quelques uns des meilleurs films de la Ozploitation ( terme désignant le cinéma de genre australien à petit budget. Essentiellement des films d'horreur et d'action quoi) tels que Harlequin ( 1980), Razorback ( 1984) de Russell Mulcahy, Patrick (1978) et Déviation Mortelle ( 1981) de Richard Franklin. Bref, c'est un bon, le Everett. Un mec qui a des choses à dire dans ses histoires.

 

Côté réalisation, nous retrouvons derrière la caméra un certain Colin Eggleston. Certes le monsieur n'est pas très connu ( il a surtout fait des téléfilms et de la série TV) mais ici, avec un bon scénario en main, il fait très bien le job. D'ailleurs Long Weekend est probablement son film le plus connu et le meilleur. Ce qui lui valut d'être primé au festival d'Avoriaz en 1979, aux côtés de L' Invasion des Profanateurs de Sépultures, de Philip Kaufman. Tout de même !

Donc, penchons-nous sur ce que raconte Long Weekend.

Peter et Marcia sont donc un couple en crise. Lui ( interprété par un John Hargreaves beau et antipathique comme il se doit) est un homme infidèle et difficile à cerner. On le voit quitter sa maîtresse et, lorsqu'il rentre chez lui, tester le viseur de son fusil de chasse sur...sa femme, Marcia ( incarnée par Bryoni Behets, jolie et nunuche comme il se doit). Ce Peter est un chasseur. C'est pas cool. Et pourtant, lorsque en cours de route il écrase un kangourou, on sent que cela lui pèse sur la conscience. Même s'il ne veut pas trop le montrer.

 

Ainsi donc ces deux là veulent être dans la nature. Mais immédiatement, ils ont l'air d'intrus. À peine arrivés, ils salissent tout, détruisent tout. Tu le sens là, le message écologico-misanthrope du film ? Cette zone sauvage d'Australie où ils établissent leur camp a des allures flippantes, de par son côté labyrinthique et inexploré. Les cris d'animaux qui résonnent dans la nuit noire ressemblent à des hurlements fantomatiques, à des grognements de monstres. Marcia, ouvertement inadaptée au milieu naturel, ne cache pas ses envies de faire demi-tour. Mais Peter insiste. Il aime ça, être ici. Même s'il ne respecte absolument pas la nature. Et c'est là qu'on se dit : «  ah, non, en fait, pas de doute : c'est bien un salaud ! ».

Par de longs passages très immersifs, le film nous plonge dans l'angoisse puis la terreur. Toute cette vie qui fourmille autour d'eux, tout cela terrifie les deux personnages. Ils découvriront à leurs dépens que la nature est un lieu bien inhospitalier pour l'homme moderne. Lieu de perdition, lieu de cauchemar, d'un glauque qui flirte avec le surnaturel.

 

Tout ce qui va tourmenter les deux personnages est constitué à la fois d'éléments qui ont l'air d'être des tours joués à leur imagination ( quoi de plus efficace pour faire peur?) et de choses réellement tangibles et explicables ( donc particulièrement malaisantes).

Par petites touches, savamment dosées, le comportement des animaux aux alentours laisse perplexe et inquiète. L'ombre des Oiseaux de Hitchcock plane tout près.

Quelque chose provenant de la nature, un cri de souffrance, fait écho à celle des personnages. Ici point de gentils contre les méchants. Juste deux spécimens d'une espèce déracinée ( et donc médiocre) qui se font clairement rejetés par le milieu naturel. Parce qu'ils font tâche. Et tout le drame, tout le mal, ici présents est bien l'œuvre d'une main humaine. Encore et toujours.

La misanthropie du film éclate au moment de vérité du film. Peter et Marcia se lancent des « je t'aime » mais quand la situation dégénère véritablement, quand la panique arrive au galop, alors c'est sauve qui peut. Que sont-ils donc venus faire ici, ces deux là ? À part laisser une traînée de peurs, d'ordures et de choses mortes ? Long Weekend est plus qu'un film d'attaque animale, plus qu'un survival. C'est une œuvre troublante, belle, flippante. Avec un message.

Don't Go In The House ( 1979) de Joseph Ellison

Donald Kohler a subi, durant son enfance, bien des traumatismes. Sa mère, une sorte de fanatique religieuse, lui brûlait les avant-bras avec la flamme de la gazinière pour le punir de son « impureté ». Quant à son père, il est juste « parti » on ne sait où. Et même si maintenant Donald ( ou Donny pour les intimes) est un adulte, on sent tout de même qu'il a toujours un gros problème avec le feu. ( Malgré cela il travaille quand même à l'incinération des ordures !). Un jour, Donnie assiste, médusé et fasciné, à un terrible accident au cours duquel un de ses collègues de boulot est transformé en torche humaine. Pour couronner le tout, il rentre chez lui et découvre sa mère morte. Donny perd immédiatement le peu de raison qu'il lui restait. Il se met à entendre des voix qui lui murmurent avec insistance de se venger des femmes... par les flammes.

Le premier plan qui nous fait découvrir la maison des Kohler en dit long : un plan incliné pour nous montrer qu'ici tout va de travers. Les escaliers ont l'air énormes et c'est tout le premier étage qui semble écraser le pauvre Donny sous son poids. Normal la chambre de la mère est en haut. Ce pauvre Donny est un gamin apeuré, coincé dans un corps d'homme. C'est un fils dévoué, pour ne pas dire servile. Et pourtant cette mère est une peau de vache tyrannique. Une folle. Elle le rabaisse constamment, l'humilie et surtout le maltraite. De ce fait, très vite, le normanbatisme du personnage de Donny saute aux yeux.

Au cours d'une scène qui est une totale repompe du Psychose de Hitchcock ( la mère assise dans son fauteuil, en tournant le dos à la caméra. On a déjà vu ça quelque part, hein) Donny pète donc une durite en réalisant que sa mère n'est plus. Il est terriblement effrayé par ce brutal accès à la liberté. Heureusement il n'est pas complètement seul. Il y a des voix qui lui parlent, qui le rassurent et qui lui disent quoi faire.

Donny se lance donc dans sa quête de vengeance. Une à une, il attire des jeunes femmes dans la grande maison familiale ( demeure qui a plutôt de la gueule mais dont certaines parties sont clairement délabrées, comme l'esprit du bonhomme) qui elle aussi fait beaucoup penser à la maison de la mère Bates. Tout comme la mère Kohler faisait probablement payer à son fils les fautes commises par son mari, Donny va se venger de sa mère en s'attaquant à d'autres femmes. Le fait que ces dernières ne s'intéressent que très peu à lui n'arrange rien à la situation non plus ( mais bon, il faut dire que le garçon est bien terne aussi).

L'omniprésence du feu dans la vie ( l'incinérateur, le lance-flammes, les allumettes, les bougies...) et dans les cauchemars de Donny est l'essence même de sa malédiction. Donny a vécu toute sa vie dans le dégoût de soi, dans la culpabilité et dans la douleur. C'est à la base une victime innocente, ce gamin. Il va essayer de revenir dans le droit chemin. Mais la colère, le sentiment d'être rejeté et trahi, tout cela va le transformer en monstre.

Il est intéressant de voir que la partie finale du film fait penser clairement à Maniac. Or, ce dernier est sorti un an plus tard. William Lustig aurait-il vu Don't Go in the House ( aussi intitulé Pyromaniac, en France) et s'en serait-il inspiré dans le dernier acte de Maniac ? En tout cas Don't Go in the House est sans conteste un film bien réalisé, sans temps mort, et bénéficiant de bonnes prestations d'acteurs. L'acteur qui interprète le rôle principal ( un certain Dan Grimaldi, qui, pour moi est un illustre inconnu. Mais qui a joué dans la série TV Les Sopranos apparemment) s'en sort très bien pour le tout premier rôle de sa carrière. 

Quant au réalisateur, Joseph Ellison, on peut dire qu'il a un parcours assez atypique. Musicien à la base, il a une filmographie peu fournie ( deux films seulement). Ce qui fait penser que la musique comptait plus pour lui que le cinéma. Dommage parce que sa réalisation est franchement de qualité. D'autant plus que Ellison participait à l'écriture de ses scénarios. Son goût pour la musique est en tout cas palpable dans Don't Go in the House. La musique disco, en l'occurrence. Cette ambiance disco ( très ancrée dans l'époque fin des 70's) créé un drôle de contraste avec cette plongée dans la folie d'un homme. Mais pourquoi pas.

Et cette virée glauque se termine étrangement à la lisière du fantastique ( ou dedans, en fonction de l'interprétation de chacun). Conclusion étonnante, vraiment. Avec cette idée de cercle infernal du mal qui se transmet des parents aux enfants. C'est que le film a un message. Les adultes fous et violents brutalisent les innocentes victimes que sont les enfants et ces derniers ne grandissent que pour perpétrer le mal à leur tour...